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Por: Luis García No importa cuántos años lleves mezclando con tus bocinas, se vale cambiar de opinión.  Conocí estas Amphion en el marco de la premiación de los Oídos de Oro. Audio Gate realizó una sesión comparativa con otras marcas y tuve la oportunidad de escuchar un par de mezclas mías en todo el abanico de monitoreo que tenían disponible. La primera impresión con las Two-18 fue la de una referencia menos impactante que las otras, sin embargo más reveladora. Escuché detalles (e incluso errores) que en otro sistema no había detectado. De inmediato las incorporé al flujo de trabajo de mi estudio y aquí, a lo largo de un año, es en donde he encontrado varios beneficios. Entrego más rápido, las aprobaciones de mis clientes son casi inmediatas y la traducción es muy consistente. Otro cambio fundamental es que puedo trabajar más tiempo. Nunca fui muy devoto del radiador pasivo, pero en este caso está brillantemente aplicado. La respuesta transitoria es amable, pero lo suficientemente veloz como para mantener una sorprendente definición y profundidad sin generar fatiga auditiva. En su diseño de dos vías, han desplazado el punto de crossover hasta los 1.6 Khz, dejando libres otras zonas que a mi parecer son críticas en la toma de decisiones. Con cierta ambigüedad, podría casi asegurar que estas cualidades, son las que me han llevado a mezclar mucho menos fuerte y más cómodo. Las bocinas no tienen DSP y me preocupaba dañarlas, ya que no tienen ninguna corrección, ni protección digital. Pero hasta ahora han aguantado la batalla mejor que bien. Sobra decir que factores como la coherencia de fase y la guía de onda están perfectamente cuidados y que el sweet spot es muy amplio, cosa que también me gusta un chingo. Este año he producido, mezclado y masterizado mucha música de diferentes géneros (algunos tímbricamente más robustos que otros) y no he tenido ningún problema con la durabilidad, ni con la traducción. Cuando recién las recibí y me preguntaban por ellas, yo respondía que no eran las bocinas que quería para disfrutar; sino las que necesitaba para trabajar. Pero he aprendido de su filosofía y ahora también disfruto mucho de escuchar música a través de ellas. No son baratas, pero sin ser fetichista y tratando de ser lo más objetivo posible, valen la pena.

🎛️ SSL Odyssey y Oracle, una ventana al futuro de la producción musical Durante años, mezclar in the box o en consola analógica parecía tener una respuesta inevitable.No porque el sonido analógico hubiera dejado de interesar, sino porque el DAW ganó en algo difícil de ignorar: velocidad y comodidad.Abrir una sesión y tener el mismo mix. Hacer una revisión semanas después. Automatizar casi cualquier parámetro. Guardar, cerrar y continuar mañana donde lo dejaste.La consola analógica seguía ofreciendo sonido, tacto y una forma de trabajar que muchos ingenieros prefieren. Pero tenía un problema enorme: el recall.Hasta que SSL decidió atacar ese problema. 🔴 ORACLE: ANALÓGICO SÍ, RECALL TAMBIÉNEn 2025 SSL presentó Oracle, con signal path completamente analógico controlado mediante ActiveAnalogue.Frente al Total Recall tradicional, la diferencia es fundamental: antes la consola podía guardar posiciones, pero el ingeniero todavía tenía que regresar físicamente los controles a su lugar.Oracle puede recuperar procesamiento, routing, gain y pan. El signal path sigue siendo 100% analógico; lo digital controla los circuitos. ⚡ ODYSSEY LLEVA LA IDEA MÁS LEJOSEn 2026 llegó Odyssey, llevando ActiveAnalogue a una plataforma modular de hasta 96 canales y 16,000 pasos de resolución en los parámetros controlables. 💻 LA CONSOLA ENTRA AL DAWCon O-Motion, la automatización de Oracle y Odyssey puede escribirse en el DAW.Un movimiento en la consola puede registrarse en Pro Tools o Logic y editarse, copiarse, reorganizarse e incluso sincronizarse al tempo.Ahí cambia la discusión.Ya no se trata de elegir entre consola analógica o workflow moderno. Se pueden tener ambos. 🏆 EL VEREDICTORecall, revisiones y cambios de sesión empujaron a muchos estudios hacia el ITB.Oracle y Odyssey intentan eliminar esa fricción: sonido y procesamiento analógico con una lógica de trabajo digital.Quizás el regreso de la consola analógica dependa de algo simple:que trabajar en una consola ya no implique renunciar a las ventajas del DAW.Si recall, automatización y control desde el DAW dejan de ser obstáculos, ¿por qué tendrías que elegir entre los dos?

Neve y API: Los Imperios Analógicos En el pro audio no hay verdades absolutas, pero sí dos grandes escuelas que definieron las reglas del juego. Cruzar el Atlántico es cambiar radicalmente de mentalidad, de conducción y de tono. Si una marca personifica la aristocracia y la opulencia británica, la otra es la definición pura del músculo y la aceleración estadounidense. Dos filosofías opuestas que terminaron esculpiendo algunos de los discos más importantes de la historia. 🇬🇧 Neve: La crema y el peso de la realeza británica El sonido británico, perfeccionado por Rupert Neve, nunca buscó ser sutil. Nació para darle a la música una dimensión enorme, densa y 3D. Escuchar una consola clásica Neve es el equivalente a subirte a un auto inglés de lujo vintage: potente, sofisticado, con curvas elegantes y mucho color. El secreto: Su mística vive en el famoso Transformador Marinair, que satura de una forma tan musical que genera ese Low End gigante y sedoso que hace que cualquier track suene enorme al instante. Su huella en los discos: Es el sonido enorme detrás de Nevermind de Nirvana (inmortalizado en Sound City), la majestuosidad de Pink Floyd, Led Zeppelin, David Bowie y muchísimos más. 🇺🇸 API: El punch y la agresividad del muscle car americano Del otro lado, nacida en Nueva York en 1968 de la mano de Saul Walker, API rompió con la escuela europea. No interesaba la sedosidad, el chocolate ni el comportamiento refinado; se diseñó para la velocidad, un headroom masivo y un ataque tan violento que redefinió el impacto del rock moderno. API es el auténtico deportivo americano: ruidoso, poderoso, agresivo y ultra definido. El secreto: Su motor es el legendario OpAmp discreto 2520. Fuerza pura que te permite empujar la señal al límite absoluto sin que el sonido se desarme, inyectando unos medios increíbles que cortan en el mix y saltan al frente. Su huella en los discos: Es la súper claridad y la separación brutal de Rumours de Fleetwood Mac, Prince, y la agresividad en los transients en los discos de Soundgarden. Si necesitas que un instrumento tenga bite, punch y corte la mezcla directo al pecho, aceleras con el carro americano. 🏎️ Lo mejor de los dos mundos: La sinergia en el mix moderno La belleza del estudio actual es no tener que elegir una marca y casarse con ella, sino saber exactamente cuándo cambiar de vehículo según lo que pida la canción: La elegancia británica: Para darle peso a los bajos, el 3D a las voces y una textura sedosa en las guitarras acústicas. El músculo americano: Para el impacto; tarolas que golpean, kicks presentes y guitarras eléctricas con ataque inmediato. Dos polos opuestos que demuestran que, en la producción musical, el arte está en combinar las mejores herramientas.

Año tras año, si hay alguien que tiene un lugar garantizado en la mesa de premiación de los Grammy's es el maestro Abelardo Rivera. Productor, mixer, ingeniero de audio y CEO de Monterrey Sound. Más de 40 años creando el sonido del regional mexicano y sus nuevas fusiones. Habiendo colaborado con una impresionante lista de los artistas más populares del momento, el ingeniero se ha consagrado como el productor más galardonado de nuestro país.  🏆 x13 time GRAMMY winner🎖️ x78 time GRAMMY & Latin GRAMMY nomineeDe Vicente Fernández, Pesado, Intocable, Bronco, Bobby Pulido, Cadetes de Linares, Rieleros del Norte, Los Temerarios, Invasores y El Plan a Natanael Cano, Peso Pluma, Gabito Ballesteros y Óscar Maydon.Su historial también incluye a Mon Laferte, Natalia Lafourcade, Ana Bárbara, Juanes, Thalía, Belinda, Santa Fe Klan, Los Ángeles Azules, Celso Piña y Pipe Bueno, entre muchos más.En “Nata Montana” trabajó junto a sus hijos Marcelo y Abelardo, compartiendo un legado y un amor por la música que sigue inspirándonos.Hoy nos comparte su experiencia, en sus propias palabras:🎛️ “Mi gran experiencia con los monitores Neumann KH 310Después de más de 40 años de trayectoria en la industria de la producción musical, puedo decir que trabajar con los Neumann KH 310 ha sido una experiencia extraordinaria.Su precisión, transparencia y definición sonora me permiten escuchar cada detalle de la mezcla con una claridad impresionante. La excelente respuesta de sus frecuencias, la profundidad de los graves y la naturalidad de los medios y agudos ofrecen una referencia de monitoreo de primer nivel, fundamental para tomar decisiones acertadas durante la mezcla y alcanzar resultados profesionales.Lo que más valoro es la confianza que me brindan para trabajar con precisión, respetando la esencia de cada instrumento y la intención artística de cada producción.Los Neumann KH 310 son una herramienta excepcional para quienes buscamos excelencia, fidelidad y calidad sonora al más alto nivel. Sin duda, una inversión que recomiendo ampliamente a los profesionales del audio y la producción musical.”— Abelardo Rivera   Crédito de creación: Gissel Fuentes